Stahlräder

Besucher von „Sitting on Chrome“, der neuen Ausstellung des San Francisco Museum of Modern Art, die am 5. August eröffnet wird, werden feststellen, dass es unmöglich ist, Kunst von Künstlern zu trennen. Und was noch wichtiger ist: Warum sollte jemand das wollen?

Im Großen und Ganzen greift die zeitgenössische Kunst im Jahr 2023 in den meisten Fällen auf die Erinnerungen, Träume, Albträume und selbst verfassten Geschichten der Schöpfer zurück. Ihre künstlerischen Ansätze sind geprägt von einer Vielzahl von Erfahrungen in Bezug auf Identität, Rasse, ethnische Zugehörigkeit, Geschlecht, Alter, kulturelles Erbe, wirtschaftlicher Status und mehr. Bei den Best Practices stärken persönliche Eigenheiten und Merkmale die individuelle Vision und erweitern den Spielraum von Künstlern, die in Gemeinschaftsprojekte investieren.

Wichtig ist, dass die Themen und Themen zeitgenössischer Kunstwerke aller Genres weiterhin tief in der Vergangenheit verankert sind. Dennoch werden sie durch eine Öffnung moderner Sensibilität und künstlerischer Reaktionen auf Dinge wie schnelle technologische Veränderungen, die Verbreitung von Massenmedien, den sich ständig verändernden globalen Handel und das eskalierende Ausmaß gesellschaftlicher Gewalt sowie Bedrohungen der sozialen Gerechtigkeit betrachtet und beleuchtet , Klimawandel, anhaltender systemischer Rassismus, Stigmatisierung der Geschlechtsidentität und die Bandbreite menschlicher Emotionen.

Getreu ihrer Form haben die Künstler Rafa Esparza, Guadalupe Rosales und Mario Ayala in dieser stilvollen Ausstellung von Lowrider-Autos und Kunst ihr ganzes Gewicht in eine gemeinsame Ausstellung eingebracht, die Malerei, Skulptur, Fotografie, Archivmaterialien und eine Klanginstallation umfasst. Das Werk ist lebendig, äußerst abwechslungsreich und letztlich aufschlussreich. „Sitting on Chrome“ entfaltet sich wie ein immersives Liederbuch; Geschichten über eine Gemeinschaft, eine Kultur und die Menschen, die dort leben und sich darin ausdrücken, erzählen, aber auch als Spiegel der Gesellschaft und menschlicher Kämpfe, Triumphe und Wahrheiten fungieren.

Die von der stellvertretenden Kuratorin für zeitgenössische Kunst Jovanna Venegas und der stellvertretenden Kuratorin für Malerei und Skulptur Maria Castro gemeinsam kuratierte Ausstellung, die vier Galerien im zweiten Stock des SFMOMA umfasst, bietet die Einführung „Lowriding through the Archive“, eine Sammlung von Archivobjekten und Veröffentlichungen . „More Bounce“ ist eine Überlegung darüber, wie Lowrider nicht nur die Mechanik und das Design von Fahrzeugen revolutionierten, sondern auch Orte und Gemeinschaften veränderten, übermäßige Polizeiarbeit und voreingenommene Überwachung störten und für viele Latinx ein Identitäts- und Heimatgefühl auf den städtischen amerikanischen Straßen schufen. „Hybrid Interiors“ ist eine viszerale, sensorische Untersuchung der Lowrider-Infrastruktur mit Bezügen zu Familie, Erfahrungen mehrerer Generationen, Handarbeit und Ikonographie in Form von dekorativen Discokugeln, Würfeln und üppigen Polstern.

Die vierte Galerie, „On a Ride“, bricht mit der Ästhetik mit einer Klangskulptur mit einer Playlist mit Liedern, die von Esparza, Rosales und Ayala ausgewählt wurden. Um ihre vielseitigen Erinnerungen an eine nächtliche Kreuzfahrt in Los Angeles widerzuspiegeln, wählten die Künstler Hip-Hop, Rock, Elektronik, Tanz, Merengue und andere Musikrichtungen. Besucher erleben die immersive „Klangmaschine“, indem sie eine sechseckige Skulptur aus Autolautsprecherboxen betreten und darin verweilen.

Mit Lowrider-Clubs und einer jahrzehntelangen aktiven Teilnahme an der Bewegung in der Bay Area ist die Kunstform, die zum Symbol der Identität und Kultur der Latinx und Chicanos wurde, weithin bekannt. Meistens ist es eher ein Zufall – eine Person ist Mitglied der Latinx-Community oder ein Autoenthusiast, der einen Artikel gelesen hat – als eine Absicht. „Sitting on Chrome“ öffnet daher ein wichtiges Portal dazu, wie die kunstvollen, üppigen Innenräume und feinen, handgefertigten Details der Autos ein Symbol für die Identität des Erwachsenwerdens sind und gesellschaftliche Praktiken und Traditionen nicht nur in Los Angeles, San Francisco, Oakland und San Jose, aber landesweit.

Bemerkenswerterweise war und ist dies nicht nur ein kalifornisches Phänomen; Die Autos, die Schöpfer und die sie umgebende Latinx-Kultur sind die Mittel, durch die Gemeinschaften im ganzen Land zusammengehalten wurden. In den Anfängen deutete Lowriding darauf hin, dass Ungerechtigkeit bekämpft, Vorstellungskraft und Ausdruck sichtbar gemacht und physische Räume wie Straßen und Parkplätze neu erdacht wurden – alles dank Fahrzeugen. „Lowrider“ ist auch die Bezeichnung für die Person und den Künstler, die durch Radierung, Nadelstreifen, Polsterung, Fertigung und die Verwendung von Chrom, Farbe, Glas und Stoff individuelle und kollektive Dialoge über das Latinx-Erlebnis angestoßen haben. Die im Jahr 2023 in SFMOMA eingeführten kumulativen Definitionen legen nahe, dass Lowrider ein ewiges Paket ist, das sich im Laufe der Zeit immer wieder offenbart.

In einem Interview sagt Castro: „Die drei in der Ausstellung vorgestellten Künstler sind langjährige Freunde und Mitarbeiter, aber dies ist das erste Mal, dass sie bei der Konzeption einer Ausstellung zusammenarbeiten.“ Wir stellten uns diese Ausstellung schon sehr früh als eine Zusammenarbeit zwischen den drei Künstlern vor, die ihre gemeinsamen Interessen an der Lowrider-Kultur, Ästhetik und Techniken untersuchen würde, die für jede ihrer unterschiedlichen Praktiken einen entscheidenden Einfluss hatten. Die Themen und Ideen der Ausstellung entstanden in enger Zusammenarbeit mit und zwischen den Künstlern.“

Die Kuratoren beauftragten die Künstler mit der Schaffung eines Wandgemäldes, das das Herzstück der Ausstellung bilden soll. Da die Künstler ihre persönlichen Sinneserfahrungen beim Lowriding hervorrufen wollten, konzentrierten sie sich auf die Erinnerungen, die jede Person an eine Kreuzfahrt mit Familie und Freunden hatte. Das kollaborative Wandgemälde greift auf gemeinsame Konzepte zurück und demonstriert gleichzeitig deren eindeutig einzigartige Praktiken und Schwerpunkte. Durch die Nachahmung der Außenseite eines Autos findet es eine Verbindung zum Gesamtthema und eine Verbindung zum Gesamtthema.

Laut Venegas liefert das Wandgemälde, auf das Besucher beim Betreten der Ausstellung stoßen, eine visuelle Nachbildung ihrer gemeinsamen Erinnerungen. Laut Castro stellt das Wandgemälde mehrere der Hauptkonzepte der Ausstellung vor und die Komposition soll an die geometrischen Muster erinnern, die oft die Außenseiten von Lowridern schmücken. Die Bilder und Perspektiven vermitteln ein Gefühl von Bewegung, das teilweise durch den Eindruck entsteht, ein vorbeifahrendes Auto zu beobachten. „Das Wandgemälde beinhaltet eine Reihe verschiedener Techniken, die die Praxis jedes Künstlers widerspiegeln: Esparza steuerte eine Kugelschreiberzeichnung bei, die im Wandgemälde vergrößert ist; Ayala schuf ein Airbrush-Gemälde direkt an der Wand; und Rosales zeigt ein Foto eines Lowriders, das sie kürzlich bei einem Autotreffen aufgenommen hat. Bei der Ausführung des Wandgemäldes arbeiteten die Künstler mit Lauren D'Amato zusammen, einer hier in der Bay Area ansässigen Künstlerin und Nadelstreifenkünstlerin. „D'Amato hat auch Nadelstreifen für die Innenwände von zwei Galerien der Ausstellung entworfen“, sagt Castro.

So sehr die Künstler ein geschlossenes Team darstellen, so deutlich machen die für die Ausstellung ausgewählten Werke auch unterschiedliche Merkmale ihrer Individualität deutlich.

esparzas Corpo RanfLA: Terra Cruiser (2017) ist ein mechanisches Kinderfahrgeschäft für 25 Cent, das er in einen tragbaren Anzug umgewandelt hat. Das performative Stück, eine Zusammenarbeit mit Image Magazine und Commonwealth and Council, wurde für die Art Basel Miami gemacht. Der Entstehungsprozess war langwierig. Als braune, queere Person, die aus einer Arbeiterfamilie stammte, fühlte sich Esparza während seiner Kindheit in LA zu ortsspezifischen Arbeiten hingezogen, bei denen es oft um Bewegung in oder durch öffentliche Räume geht. Sein eigener Körper – bemalt, mit Juwelen besetzt, in kybernetische mechanische Gewänder gehüllt – ist häufig ein wesentliches Element, das spannungsgeladene, zärtliche oder erregende Verbindungen zu den größeren Themen des Werks zum Ausdruck bringt.

In der SFMOMA-Ausstellung wird Corpo RanfLA als Skulptur präsentiert, mit einer öffentlichen Aufführung am 5. Oktober. Esparza sagt, dass das Werk, das durch seine helle Kelly-Grün- und Himmelblau-Farbe auffällt, die Lowrider-Identität und den Raum, den er hat, zum Ausdruck bringt hatte nie das Gefühl, als queere Person existiert zu haben, während sie komplex und absichtlich ungelöst blieb. Es ist üblich und lohnend, eine Begegnung mit Esparzas Werk mit mehr Fragen als Antworten, mehr Neugier als Schlussfolgerungen zu verlassen.

Ayalas Gypsy Rose (2107) und Reunion (2021) erzählen Geschichten, die an die Geschichte und Kultur Kaliforniens erinnern. Die Skulptur und das Acryl-auf-Leinwand-Gemälde in der SFMOMA-Ausstellung verkörpern die geschickte Handwerkskunst des in LA ansässigen Künstlers mit tätowierähnlichen Linien und Farben, grafischen Darstellungen, die an kommerzielle Schildermalerei erinnern, und stilisierten Bildern mexikanisch-amerikanischer und lateinamerikanischer Menschen ihr tägliches Leben. Andeutungen von Handarbeit, Werkzeugen und Maschinen sind von einer Menschlichkeit durchdrungen, die sowohl Pathos als auch das Versprechen einer besseren Welt, Zeit und eines besseren Ortes in sich trägt.

Rosales, das dritte Mitglied der Gruppe, ist eine multidisziplinäre Künstlerin und Pädagogin, die für ihre von der Community erstellten Archivprojekte weithin bekannt ist. Durch ihre Arbeit mit Skulpturen, Fotografie, Video, Ton und Zeichnung entstehen bei ihren Projekten und Kooperationen Arbeiten, die unmittelbar intim und persönlich sind, aber auch kollektive Erfahrungen zum Ausdruck bringen. Bei SFMOMA, Drafting on a Memory; Eine Widmung an Gypsy Rose (2022) besticht durch Plüschpolster in Fuchsia/Rosa und Lila unter einer baumelnden Discokugel. Auf dem Stoff ruht ein Strauß frischer Blumen, dessen Präsenz auf verlorene Schönheit hinweist, ohne ihre eigene zu verlieren. Ein Foto, Sixth Street Bridge (2022), positioniert Rosales als Platzhalterin, als Hüterin der Straßenkultur von East Los Angeles Chicano in der Gegend, in der sie aufgewachsen ist. Auf den Fotografien ehren ihr Viertel Boyle Heights, der Whittier Boulevard in LA und Orte wie die Sixth Street Bridge Menschen und Ereignisse der Vergangenheit und kündigen gleichzeitig Bewegungen wie Lowriding an, die über ein Menschenleben hinaus Bestand haben. Die Brücke, auf der sich weder Autos noch Menschen befinden, ist daher gleichzeitig ein Rückblick auf die Realität und ein Blick auf zukünftige Möglichkeiten. Diese Dualität des Fokus wird am deutlichsten in den Archivdokumenten und Fotos von Rosales deutlich, die in der Galerie „Lowriding through the Archive“ zu finden sind, lässt sich aber auch in ihrem gesamten Werk nachvollziehen.

Die Kuratoren sagen, der Standort sei ein wesentlicher Bestandteil der Lowriding-Kultur, und während die tatsächlichen Erfahrungen der Künstler beim Cruisen in Los Angeles von entscheidender Bedeutung seien, deutet die Arbeit auf Verbindungen zur Bay Area durch Themen wie unverhältnismäßige Polizeiarbeit, die spektakulär vielfältige Kreativität der Latinx-Kultur und die von ihnen gefundenen Identitäten hin Jugendliche und junge Erwachsene in prägenden Jahren. Als Beispiel für den Standort als Eckpfeiler sagt Venegas: „Mario Ayala schloss 2014 sein Studium am San Francisco Art Institute ab und war von der Stadt sehr beeinflusst, daher haben wir sein Selbstporträt aufgenommen, das Bezüge zur Bay Bridge und zu Diego aufweist.“ Riveras Wandgemälde „Die Entstehung eines Freskos, das den Aufbau einer Stadt zeigt“. In der Ausstellung gibt es weitere Hinweise auf Diego Rivera, insbesondere weil wir derzeit [Diegos] Wandgemälde „Pan American Unity“ im Museum ausstellen.“

In der Galerie „On a Ride“ spielt die sechseckige Form der Klangskulptur Gravitron (2023) auf Fahrgeschäfte in Vergnügungsparks an, die die Abwesenheit der Schwerkraft simulieren. Laut Castro werden die Besucher das Gefühl haben, in einem Meer aus Liedern zu schweben. „Wenn Besucher in der Skulptur stehen, hören sie nicht nur die Musik, sondern spüren auch die Vibrationen der Autolautsprecher, die das Erlebnis einer Kreuzfahrt hervorrufen“, sagt er. „Durch die Aktivierung der Sinne schafft das Werk einen Raum, der uns dazu einlädt, in die Erinnerung oder Imagination abzudriften.“

In diesem Raum, wie in der gesamten Ausstellung, existiert der Wurzelstamm oder der Hauptschnittpunkt der sozialen Gegenströmungen der Lowrider. Diese stilisierten Fahrzeuge mit ihrem unverwechselbaren Sound und Design; diese Menschen, sowohl real als auch undurchsichtig durch die dampfende Linse der Erinnerung; und diese Erfahrungen, die aufgrund ihrer Lebendigkeit neu vorgestellt und durch die Geschwindigkeit sensorischer und emotionaler Verbindungen gefärbt werden, sind – unwahrscheinlich – eine lebensbejahende Kollision. Wenn sie in vier Galerien im SFMOMA „kollidieren“, sind die Geschichten, die die Kunst und die Künstler erzählen, kaum voneinander zu unterscheiden oder zu trennen. Um zu wiederholen, wo wir angefangen haben: Warum sollte das irgendjemand wollen?

Besucher des Museums sollten beachten, dass die Ausstellung eine Reihe von Sonderveranstaltungen umfasst, darunter „First Thursdays“ und einen „Free Family Day“, die allen Bewohnern der Bay Area donnerstags von 13–20 Uhr und am Sonntag, 10. September, freien Eintritt ins Museum bieten. von 10 bis 16 Uhr. Der Free Family Day im SFMOMA findet gemeinsam mit der San Francisco Public Library statt und umfasst praktisches Kunstschaffen, Zeit zum Geschichtenerzählen, Performances und eine Schnitzeljagd, inspiriert von Latinx-Künstlern, deren Werke derzeit im Museum zu sehen sind. Bis zu vier Erwachsene haben in Begleitung eines Kindes bis 18 Jahre freien Eintritt. Am ersten Donnerstag, dem 5. Oktober, wird Esparza seine Corpo RanfLA: Terra Cruiser-Skulptur vor Diego Riveras Wandgemälde „Pan American Unity“ in der Roberts Family Gallery auf Etage 1 aufführen. An dem Tag wird auch die Premiere eines originalen SFMOMA-Kurzfilms stattfinden Dokumentarfilm über die „Sitting on Chrome“-Künstler sowie Vorführungen von Debra Kofflers und Vero Majanos Film Why I Ride Low and Slow (2010), der die Lowrider-Kultur der 1980er Jahre im Mission District von San Francisco beleuchtet.

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